Einblicke in den wachsenden Pflanzentrend in der zeitgenössischen Kunst

Ebony G. Patterson, Installationsansicht von „…Dinge gedeihen … beim Abwerfen … beim Häuten …“ im New York Botanical Garden, 2023. Mit freundlicher Genehmigung des New York Botanical Garden

Im New York Botanical Garden (NYBG) funkeln lebensgroße Skulpturen pechschwarzer Geier des Künstlers Ebony G. Patterson dezent im Sonnenlicht, während die Betrachter durch ihr Gelände wandern. Diese Vögel drängen sich um Teiche blutroter Pflanzen – Begonien, Caladium, Hypoestes und Impatiens –, die wie blaue Flecken auf einer ansonsten pastellfarbenen Landschaft rund um das Haupt-Konservatorium von 1902 erscheinen. In das historische Gewächshaus haben sich weitere Geier gewagt und sich einem mausernden, ganz weißen Pfau angeschlossen, während ein im Zickzack verlaufender Weg von mattierten Gussglasskulpturen ausgestorbener Pflanzen gesäumt ist, die der Künstler im Archiv des Gartens gefunden hat.

Patterson, die in Chicago und Kingston, Jamaika, lebt und für ihre collagierten Arbeiten und aufwendigen Wandteppiche bekannt ist, verwendet seit über einem Jahrzehnt realistische Darstellungen von Pflanzen in ihrer Kunstpraxis. Und doch markiert diese Ausstellung „…Dinge gedeihen…in der Häutung…in der Häutung…“ das erste Mal, dass sie in ihrer Arbeit mit lebendem Material gearbeitet hat. „Ebonys Arbeit ist mit Bildern von Pflanzen übersät, Bildern, die wir erkennen können. Aber es geht auch wirklich um die Spannung zwischen unserem Wunsch, Dinge zu kontrollieren, und unserer Unfähigkeit, Dinge zu kontrollieren“, sagte Kuratorin Joanna Groarke, Vizepräsidentin für Ausstellungen und Programmierung bei der NYBG. Auch für die gastgebende Institution ist die Ausstellung ein neues Unterfangen: Patterson ist der erste ansässige Künstler, der für eine Installation direkt mit seinen Pflanzensammlungen arbeitet.

Ebony G. Patterson, Installationsansicht von „…Dinge gedeihen … beim Abwerfen … beim Häuten …“ im New York Botanical Garden, 2023. Mit freundlicher Genehmigung des New York Botanical Garden.

Während sich Künstler in der Vergangenheit für Stillleben, Vanitas und Landschaften von der Natur inspirieren ließen, arbeiten zeitgenössische Kreative direkt mit diesem Ausgangsmaterial, um dessen neue Konnotationen zu nutzen. Mit Beginn der Pandemie erlebte die Beliebtheit von Zimmerpflanzen einen parametrischen Aufschwung. Das gilt auch für die Blumenfigurationen der Künstler. Unterdessen zeigten sich die Auswirkungen des Klimawandels in Form von Waldbränden und häufigeren Naturkatastrophen. Umweltkünstler inszenierten elementare Installationen, die zum Wandel drängten und Visionen für alternative Energielösungen boten; Aktivisten warfen rote Farbe auf Meisterwerke des Museums. Als Lebewesen können Pflanzen als Erweiterung unserer Umwelt oder unserer selbst interpretiert werden. In einer unsicheren Umgebung hat sich lebendes Material – oder sein Abbild – als nützliches Medium mit starken Resonanzen erwiesen.

Am Stand der Halsey McKay Gallery auf der NADA New York im vergangenen Frühjahr präsentierte der in Brooklyn lebende Künstler David Kennedy Cutler eine aktuelle Weiterentwicklung seiner Praxis: mehrschichtige Leinwände voller beliebter Zimmerpflanzen, die nicht echt sind, aber durchaus so aussehen. Im Jahr 2013 begann Cutler, solche Darstellungen von Pflanzen neben den Körpern von ihm und seiner Frau, deren Kleidung, Essen und Studio- oder Heimwerkzeugen als „Ersatzmenschheit“ in Werken zu verwenden, die „über Introvertiertheit und die Nähe der digitalen Kultur sprechen und darüber, was sie mit ihr gemacht hat.“ uns“, erklärte er.

Cutlers neueste Stücke konzentrieren sich besonders auf die Topfpflanze, eine Metapher für die Art und Weise, wie wir versuchen, die Natur einzudämmen und nur die beste Version von ihr und uns selbst zu präsentieren. „Die Dinge, die uns jeden Tag umgeben, können wirklich beschreiben, wie wir leben“, sagte er. „Das erste Gemüse, das ich zu verwenden begann, war Grünkohl, weil ich dachte, er sei wirklich ein Symbol für etwas, das in der Kultur passiert.“ Es ist die Dualität der Pflanzen, die den Künstler reizt, dessen Grüntöne eigentlich auf Acetat gedruckte Fotografien des Originals sind.

Auch Rashid Johnsons jüngste Mixed-Media-Installationsserie greift die Verbindung von Zimmerpflanzen zur Häuslichkeit auf. In Antoines Organ (2016), das derzeit in der Gruppenausstellung „Presence of Plants in Contemporary Art“ des Isabella Stewart Gardner Museums zu sehen ist, ist ein schwarzes Stahlgitter voller 285 Kübelpflanzen, in deren Mitte sich ein Klavier verbirgt. Die Kuratoren Pieranna Cavalchini und Charles Waldheim entschieden sich für die Ausrichtung der Ausstellung mit acht Künstlern, die diesen Monat in Boston eröffnet wurde, aufgrund der schieren Vielfalt zeitgenössischer Künstler, die vergängliches, lebendiges Material verwenden.

Rashid Johnson, Installationsansicht von Antoines Orgel, 2016, in „Presence of Plants in Contemporary Art“ im Isabella Stewart Gardner Museum, 2023. Foto von Martin Parsekian. © Rashid Johnson und Hauser & Wirth. Mit freundlicher Genehmigung des Isabella Stewart Gardner Museum.

„Pflanzen sind beladen, aber auch zutiefst persönlich“, erklärte Waldheim, der auch Professor für Landschaftsarchitektur an der Harvard University Graduate School of Design ist. „Im Gegensatz zu anderen Medien der Kulturproduktion nehmen wir sie in unseren Körper auf, und das ermöglicht ihnen unterschiedliche Bedeutungsfrequenzen für uns.“

Andere Künstler der Ausstellung nutzen die Natur, um die Klimakrise anzugehen. An der Fassade des Museums hat die australische Ingenieurin und Aktivistin Natalie Jeremijenko die ortsspezifische „Declaration of Interdependence“ (2023) installiert, eine lebende Skulptur aus blühenden Kapuzinerkressen über einem Text, die den Überlebenskampf der Organismen als eine für beide Seiten vorteilhafte Anstrengung darstellt, die vielen anderen hilft Spezies. Die Berücksichtigung dieser wissenschaftlichen Offenbarung, so argumentiert die Arbeit, wird echte Fortschritte bei den ökologischen und gesellschaftspolitischen Bedrohungen ermöglichen, mit denen wir heute konfrontiert sind.

Natalie Jeremijenko, Installationsansicht von The Declaration of Interdependence, 2023, in „Presence of Plants in Contemporary Art“ im Isabella Stewart Gardner Museum, 2023. © Natalie Jeremijenko. Foto © Isabella Stewart Gardner Museum.

Henrik Håkansson, Installationsansicht von A Painting of a Tree (Corylus americana), 2023, in „Presence of Plants in Contemporary Art“ im Isabella Stewart Gardner Museum, 2023. © Henrik Håkansson. Foto © Isabella Stewart Gardner Museum.

Auch der schwedische Künstler Henrik Håkansson untersucht den Einfluss des Menschen auf unsere Umwelt mit der Wandarbeit „A Painting of a Tree (Ailanthus altissima)“ aus dem Jahr 2021, in die er Blattstecklinge des Himmelsbaums einfügte, einer einheimischen chinesischen Pflanze, die als invasiv gilt in Massachusetts, in Plastikflaschen, die auf Leinwand befestigt sind. Das poetische Stück fordert den Betrachter dazu auf, sich zu fragen, was der Begriff „invasiv“ wirklich bedeutet – ob die Natur oder der Müll das größere Problem ist.

Der Aufstieg von Pflanzen als Kunstwerke hat für diese Gespräche größere Möglichkeiten eröffnet, wobei das Medium als vertrauter Ausgleich dient. Außerhalb von Kunsträumen bieten Landschaften noch mehr öffentliche Reichweite, um dieselben sozialen Themen zu untersuchen. „Historisch gesehen wurden Gärten durch ihre Grenzen definiert“, sagte Viviane Stappmanns, Co-Kuratorin der aktuellen Ausstellung des Vitra Design Museums in Deutschland, „Garden Futures: Designing with Nature“, mit Werken von Künstlern wie Derek Jarman und Zheng Guogu, die sich mit der Frage befassen Gärten als Testgelände für Fragen der Nachhaltigkeit, sozialer Gerechtigkeit und Gerechtigkeit. „Für viele Gärtner, Aktivisten und Sozialunternehmer liegt die Zukunft – und in manchen Fällen auch die Gegenwart – in der Schaffung miteinander verbundener menschlicher und natürlicher Umgebungen, die in ökosozialen Netzwerken organisiert sind.“

Ebony G. Patterson, Installationsansicht von …fester…, 2023, in „…Things kommen zum Gedeihen…im Abwerfen…in der Häutung…“ im New York Botanical Garden, 2023. Mit freundlicher Genehmigung des New York Botanical Garden.

Auch Pattersons Arbeit beschwört die Idee einer miteinander verbundenen menschlichen und natürlichen Umwelt und greift dabei auf die politischen und historischen Resonanzen in Pflanzen zurück, insbesondere als Analogon zu versklavten schwarzen Körpern. „So viele dieser Pflanzen, die wir in unseren Häusern lieben, kamen mit denselben Schiffen, mit denen im großen Zeitalter der Entdeckungen die Menschen herüberkamen“, sagte der Künstler.

In der stattlichen Bibliothek auf dem 250 Hektar großen Campus der NYBG zeigt Pattersons Werk „fester…“ aus dem Jahr 2023 dieses Gefühl der Ausbeutung deutlich. Eine Seite der Installation ist ein verzierter Wandteppich aus Blumentapeten und blattgoldenen Skelettteilen; das andere ist eine Ansammlung von mehr als 1.000 Händen mit roten Spitzenhandschuhen, eingebettet in schwarze Disteln aus Gussglas. Unter der Schönheit gepflegter Gärten verbirgt sich ein differenzierteres Gespräch über Herkunft und Arbeit. „Ein Großteil der Sprache, die in Gesprächen darüber verwendet wird, wie wir über Gärten im Hinblick auf die sozioökonomischen Hierarchien denken, die wir geerbt haben, könnte mit der Art und Weise gleichgesetzt werden, wie wir über Menschen denken“, fuhr sie fort.

Pflanzen sind schließlich von Natur aus politisch. Wie die Wurzelsysteme, die sie ernähren, gibt es unter der Oberfläche immer noch etwas mehr.